Sejarah Singkat Tentang Ilustrasi Buku – Apakah Kita Sedang Memulai Zaman Keemasan Lain untuk Kolaborasi Gambar/Teks? Ilustrasi buku telah ada dalam beberapa bentuk sejak munculnya kata-kata tertulis. Tradisi yang telah memandu ilustrasi buku modern berasal dari sastra barat yang berasal dari buku balok abad ke-15, di mana teks sebuah buku diukir menjadi balok yang sama dengan gambar. Karya-karya ini merupakan perkembangan alami dari bentuk manuskrip tua yang diterangi. Seperti yang paling terkenal terlihat di Biblia Pauperum (“Alkitab Pauper”), mereka terlihat seperti novel grafis abad pertengahan.
Sejarah Singkat Tentang Ilustrasi Buku
graphicclassics – Lebih khusus lagi, praktik penerbitan fiksi dewasa disertai dengan gambar representasional sangat terkait dengan sastra barat abad ke-18 dan ke -19 , dan kebangkitan novel. Pada peringatan dua abad kelahiran Charles Dickens, Melanie McDonagh di The Independent mengingat hubungan kolaboratif Dickens yang erat dengan ilustrator: “…dia memberi mereka garis besar plot sebelum dia menulis teks dan dia memantau gambar untuk memastikan bahwa gambar itu cocok dengan konsepnya sendiri.”
Baca Juga : Beberapa Hal Yang Perlu Diketahui Tentang Ilustrasi
Ilustrator Dickens yang paling terkenal, HK Browne (nama pena “Phiz”), bekerja di bawah instruksi dekat penulis untuk penampilan khusus karakter, dan komposisi piring. Ini berarti bahwa interpretasi visual Phiz tentang sebuah karakter menjadi sama pentingnya dengan deskripsi Dickens, jika tidak lebih.
Tentu saja, tren dalam penerbitan buku dan seni visual bergeser jauh di abad ke-20, dan praktik penerbitan representasi visual di samping teks dalam sastra dewasa mengalami penurunan besar, dan ilustrasi buku menjadi semakin terkait dengan sastra anak-anak dan “kekurangan” atau tulisan populer (seperti Classics Illustrated ). Pada saat yang sama, seni figuratif juga dijauhi di dunia seni karena sudah ketinggalan zaman dan tabu.
Duchamp mengatakan bahwa seni seharusnya tidak menjadi retinal, yang ada hanya untuk tujuan estetika dan keindahan mata, dan bahwa Manet menandai puncak dan akhir dari seni retina. Langkah selanjutnya yang jelas adalah abstraksi, Dada, dan “kematian lukisan.” Tentu saja, lukisan tidak pernah benar-benar mati, dan kebangkitan besarlukisan figuratif/representatif menandai akhir abad ke-20 dan awal abad ke-21.
Meskipun ilustrasi yang menyertai karya fiksi sastra baru semakin jarang ditemukan pada pertengahan abad ke-20, ilustrasi buku terus berkembang dalam bentuk yang kurang tradisional, dan seringkali kurang terhormat. Evolusi ini dapat dilihat dalam ilustrasi tinta Virgil Finlay yang mengagumkan dan dirancang dengan indah di majalah fiksi ilmiah untuk cerita dengan judul seperti “The Conquest of the Moon Pool,” bekerja dengan vitalitas dan detail yang menggemakan ukiran Gustave Dore untuk Dante dan Milton atau Ilustrasi Harry Clarke untuk Poe.
Dalam artikel McDonagh, penerbit Jonathan Cape, Dan Franklin mengacu pada perubahan tren dalam penerbitan buku dewasa, dan menunjukkan kurangnya ilustrator hebat sebagai alasan penurunan ilustrasi buku. Komentar Franklin (“Jarang sekali Anda menemukan seseorang yang bisa menggambar”) mencerminkan pandangan tradisional tentang ilustrasi buku sebagai jenis karya ukiran mendetail yang mendominasi pada abad ke-18 dan ke-19, yang membutuhkan penguasaan bahan yang sangat spesifik.
Tapi tidak pernah ada kekurangan seniman terampil yang tersedia untuk membuat ilustrasi buku, melainkan kurangnya permintaan untuk ilustrasi buku tradisional dalam fiksi sastra dewasa. Sepanjang abad ke-20, ada banyak contoh ilustrator berbakat dengan keterampilan menggambar dalam genre sastra anak-anak: Chris van Allsburg, David Weisner, Alenka Sottler, untuk beberapa nama. Sastra anak-anak populer menawarkan beberapa contoh ilustrasi buku yang paling inovatif dan terampil di abad ke-20, dan karya-karya ini tidak diragukan lagi telah memengaruhi generasi seniman kontemporer.
Persilangan novel grafis dari “komik” bubur kertas ke ranah seni dan sastra terhormat telah secara signifikan mengubah arena ilustrasi sastra dalam 20 tahun terakhir. Kontribusi Art Spiegelman yang mengesankan baik dalam karyanya sendiri maupun dalam dukungannya terhadap bentuk seni secara umum, telah memainkan peran yang kuat. Spiegelman’s WORDLESS!, presentasi kolaboratif dengan musisi Philip Johnston di BAM pada awal 2014, menawarkan tur tentang sejarah penceritaan grafis yang kurang dikenal. LA Times mengatakan , “Art Spiegelman hampir sendirian membawa buku komik dari lemari mainan dan ke rak literatur.”
Namun, secara gaya, sebagian besar bahkan karya grafis yang lebih inovatif yang keluar saat ini dengan mudah dimasukkan ke dalam kategori “kartun.” Bukan berarti tidak memiliki nilai seni yang serius, melainkan bentuk novel grafis masih terkait erat dengan tradisi seni kartun dan komik, di mana narasi sering lebih ditekankan daripada penggambaran. Ada banyak pengecualian untuk generalisasi ini—karya Joe Sacco atau Anders Nilsen, misalnya—tetapi mereka persis seperti itu, pengecualian.
Tentu saja, salah juga jika berpikir bahwa kurangnya detail halus atau ilustrasi “gaya ukiran” tradisional adalah tanda rendahnya kemampuan menggambar. Bekerja seperti Persepolis karya Marjane Satrapi(Pantheon) menampilkan karya seni sederhana yang menyesatkan; Karya tinta tebal Satrapi adalah topeng halus untuk rasa jenius karakter kinestetik dan emosional.
Penerbitan sastra kontemporer semakin terbuka untuk bentuk grafis yang inovatif, seperti yang terlihat dalam Cerita Bangunan Pantheon Graphic Novels oleh Chris Ware, dan Richard McGuire’s Here . Baru-baru ini, Molly Crabapple’s Drawing Blood (Harper Collins) menawarkan perkawinan unik antara jurnalisme/memoar naratif dan ilustrasi media campuran yang dieksekusi dengan indah. Karya Crabapple—baik dalam gaya maupun pendekatannya terhadap jurnalisme—mengingat pengecualian besar lainnya atas ketiadaan ilustrasi buku sastra pada paruh kedua abad ke-20, ilustrasi Ralph Steadman untuk Hunter S. Thompson.
Terlepas dari meningkatnya kehadiran bentuk-bentuk grafik eksperimental dalam penerbitan sastra, penempatan seni visual dalam teks-teks sastra biasanya terbatas pada edisi-edisi baru dari teks-teks klasik, atau setidaknya teks-teks yang baru dikanonisasi. The Folio Society menerbitkan edisi yang indah dari berbagai buku seperti itu, dari The Arabian Nights hingga As I Lay Dying hingga Midnight’s Children , semuanya disertai dengan ilustrasi baru dari seniman kontemporer. Scout Books, sebuah buku catatan kecil yang berbasis di Portland, Oregon, memiliki serangkaian cerita pendek klasik berukuran saku disertai dengan ilustrasi baru, seperti ilustrasi komik fantastis karya Francois Vigneault untuk “An Occurrence at Owl Creek Bridge” karya Ambrose Bierce.
Terkadang ada pengecualian, seperti novel periode inovatif Lawrence Norfolk, John Saturnall’s Feast (Grove Press), yang menampilkan ilustrasi potongan kayu indah karya Andrew Davidson, diatur dalam format pelat buku tradisional yang sesuai dengan abad ke-17 . Jawaban yang jelas adalah bahwa penulis dan penerbit sama-sama takut ilustrasi akan merusak kemampuan pembaca untuk terlibat dengan sebuah buku. Ini adalah ketakutan yang dipahami dengan jelas oleh Dickens dan sangat berhati-hati dalam upayanya untuk mempertahankan kendali atas ilustratornya.
Bahaya ini terutama diucapkan dengan melampirkan gambar representasional ke karakter dalam sebuah cerita. Beberapa karya sastra dapat menjadi tak terpisahkan dari citranya—lukisan-lukisan NC Wyeth yang mengilustrasikan Treasure Island muncul di benak. Seperti yang ditulis Sam Sachs dalam artikel New Yorker 2013 , “Kami mungkin tidak membutuhkan gambar karakter di Housekeeping Marilynne Robinson , karena kekuatan buku terikat pada musik bahasa. Tapi tidak mau membaca Pynchon’sGravity’s Rainbow menjadi jauh lebih baik jika ada potret fantastis Tyrone Slothrop melawan gurita raksasa dengan botol anggur kosong?
Munculnya e-book dan penerbitan digital telah menghidupkan kembali minat para bibliofil pada buku sebagai objek fisik keindahan. Penjajaran ilustrasi dan teks sastra, dan kolaborasi inovatif antara seniman dan penulis memang terjadi hari ini, lebih sering dalam buku-buku yang diproduksi dengan cemerlang yang merupakan “objek keindahan” yang nyata. Seri Cahier Sylph Editions adalah contoh model dari ini, seperti yang dinyatakan situs web mereka : “Penekanannya adalah pada karya di mana gambar dan teks hidup berdampingan, dipahami sebagai satu. Setiap karya diproduksi dengan cermat, perhatian diberikan secara merata pada konten dan bentuk.” Ilustrasi media campuran surealis Bianca Stone yang menyertai Antigonick . karya Anne Carson(New Directions) dengan jelas menunjukkan bahwa penempatan ilustrasi di samping karya sastra, dan kolaborasi antara seniman dan penulis, masih bisa dilakukan secara segar dengan ilustrasi modern yang sesuai dengan teks.
Masa depan ilustrasi buku mungkin lebih terbuka untuk interpretasi dan eksperimen daripada sebelumnya, dengan banyak peluang untuk inovasi dari penerbit, terutama ketika kami menyadari bahwa kolaborasi penulis-artis tidak selalu terikat pada format tradisional. Namun, seperti biasa, pertimbangan terpenting untuk ilustrasi buku kontemporer mungkin sama dengan yang membentuk contoh tradisional: karya seni harus menambah, daripada membingungkan, memperumit, atau mengalihkan perhatian dari teks. Bagi seorang seniman, pengalaman unik menciptakan karya untuk melengkapi visi orang lain adalah latihan kerendahan hati. Seni dalam masyarakat barat kontemporer biasanya dipandang sebagai ekspresi tunggal individu, yang secara alami dapat mengambil kualitas egois dan egois.
Dalam pengalaman saya sendiri sebagai ilustrator, saya selalu senang terlibat dengan visi orang lain, dan tantangan untuk melakukannya dengan adil. 16 ilustrasi tinta yang ditampilkan dalam edisi paperback Akuarium David Vann(Grove Press) diadaptasi dari foto berwarna yang menyertai teks dalam edisi pertama hard-bound asli. Foto berwarna aslinya sangat detail, dan menyertakan latar belakang alam di laut yang mengelilingi setiap ikan. Alih-alih proses basi dalam mereproduksi gambar dari sebuah foto, ini adalah kesempatan bagi saya untuk bereksperimen dengan garis, tekstur, dan komposisi. Saya memutuskan “potret” ikan ini tidak akan terlihat berlebihan tanpa latar belakang yang lengkap, jadi tantangan terbesarnya adalah menentukan seberapa banyak yang akan disertakan. Satu-satunya ilustrasi dari 16 yang menampilkan latar belakang penuh adalah clownfish, yang menurut saya tidak lengkap tanpa anemon.
Awalnya, saya bermaksud menggunakan papan gores untuk mengeksekusi ilustrasi, untuk memberikan gambar kualitas ilustrasi yang hampir ilmiah, tetapi detail yang berlebihan dalam warna putih, dan tinta latar belakang hitam dalam jumlah banyak, tidak mungkin direproduksi secara efektif dalam paperback. Saya beralih ke tinta dan pena, yang memungkinkan perasaan lebih spontan dan gestural.
Ini adalah area di mana, pada tingkat produksi praktis, saya harus fleksibel dalam pendekatan saya terhadap ilustrasi. Tergantung pada kebutuhan khusus untuk buku tersebut, atau instruksi yang diberikan oleh penulis dan tim penerbitan, seorang ilustrator memiliki berbagai masukan kreatif. Ini bagi saya adalah bagian yang paling menarik dan menantang dari proses, menentukan seberapa terbuka untuk interpretasi dan eksperimen, dan apa sebenarnya yang dibutuhkan untuk mencocokkan seni dengan teks.
Meskipun gambar untuk Aquariumdi satu sisi sangat lurus ke depan, bagi saya elemen kreatif datang melalui media itu sendiri, perasaan tinta, dan pilihan kecil gerakan. Dengan tunduk pada peran tradisional ilustrator buku, dalam format tradisional ilustrasi gaya pelat buku, saya dapat menemukan aplikasi untuk bentuk, ide, dan gaya saya sendiri. Saya hanya bisa berharap pengalaman kolaboratif semacam ini menjadi lebih dan lebih umum bagi rekan-rekan ilustrator saya, karena penerbit sastra terus memperluas gagasan mereka tentang apa yang mungkin untuk buku sebagai objek.